Le synthétiseur est un instrument de musique électronique qui produit des sons à partir de signaux électriques. Grâce à un oscillateur, un filtre et une enveloppe, cet appareil permet aux débutants de produire des voix, des basses et des nappes uniques, pour une utilisation en studio comme sur scène.
Qu'est-ce qu'un synthétiseur, concrètement ?
Par exemple, un débutant règle d'une main un son de basse, de nappe ou de lead, puis l'enregistre en audio dans son propre studio pour une création musicale, à un niveau différent à chaque essai.
Le synthétiseur, appelé familièrement « synthé », fait partie des instruments électroniques depuis la fin des années 1960. Contrairement à un piano, il ne fait pas vibrer une corde : il génère un signal électrique, que l'on façonne puis que l'on envoie dans un amplificateur ou un casque. Un synthétiseur imite un instrument classique, comme une flûte ou des cordes, ou produit des timbres sans équivalent acoustique.
L'ensemble des réglages qui donne un son précis s'appelle un patch ou une programmation. Un musicien peut mémoriser des centaines de patchs, passer de l'un à l'autre d'un simple geste et en créer de nouveaux en tournant des boutons. Ce côté malléable distingue le synthétiseur du piano numérique, conçu pour reproduire le plus fidèlement possible un seul instrument.
Le synthétiseur prend place dans la catégorie des instruments électroniques, avec les claviers MIDI, les boîtes à rythmes et les échantillonneurs. Chaque appareil propose sa propre approche : certains se jouent au clavier, d'autres sur des pads ou à l'aide d'un séquenceur intégré qui enchaîne les notes tout seul.
Oscillateur, filtre, ampli : la chaîne de base
Le circuit de base d'un synthétiseur analogique tient en trois blocs, parfois désignés par leurs initiales anglaises :
- l'oscillateur (VCO) produit la forme d'onde de départ : sinus, triangle, carré ou dent de scie ;
- le filtre (VCF) supprime ou atténue des harmoniques et change le timbre, plus ou moins brillant ;
- l'amplificateur (VCA) règle le volume du signal audio.
Deux modulateurs animent cette chaîne. L'enveloppe, dite ADSR, décrit l'évolution du son à chaque note : attaque (Attack), déclin (Decay), maintien (Sustain) et relâchement (Release). Une attaque courte donne un son percussif, une attaque longue un son qui gonfle lentement. Le LFO, oscillateur basse fréquence, module un paramètre de façon cyclique et produit un vibrato, un trémolo ou un balayage de filtre.
Le pitch bend et la molette de modulation, souvent placés à gauche du clavier, laissent au musicien le contrôle de la hauteur ou de l'effet pendant le jeu. Ils apportent l'expressivité d'un instrument vivant à une machine qui ne respire pas, et ils servent à imiter les inflexions d'une voix ou d'un violon.
Quels types de synthèse existent ?
Le synthétiseur ne se limite pas à une seule méthode. Le tableau présente les approches les plus répandues.
| Synthèse | Principe | Caractère sonore |
|---|---|---|
| Soustractive | Un signal riche en harmoniques est filtré | Basses rondes, nappes chaudes, sons de lead |
| Additive | Plusieurs sinusoïdes sont additionnées | Timbres purs, proches de l'orgue |
| FM (modulation de fréquence) | Un oscillateur module la fréquence d'un autre | Sons cristallins, cloches, pianos électriques |
| Échantillonnage et tables d'ondes | Des sons enregistrés servent de point de départ | Réalisme des instruments, textures évolutives |
La synthèse soustractive est la plus courante et la plus facile à comprendre, car elle part d'un son brut qu'on sculpte. La synthèse FM, entièrement numérique, a dominé les années 1980. D'autres méthodes existent, comme la modélisation physique ou la synthèse granulaire, plus rares. Chacune offre une palette différente, et la différence se mesure à l'écoute plus qu'à la lecture d'une fiche technique.
Du telharmonium au MIDI : un siècle d'histoire
L'histoire du synthétiseur remonte à la fin du XIXe siècle. En 1897, Thaddeus Cahill invente le telharmonium, un immense instrument électromécanique. En 1935, Laurens Hammond crée l'orgue qui porte son nom, fondé sur la synthèse additive. Entre 1939 et 1942, le Novachord, construit à 1 069 exemplaires, est souvent présenté comme le premier synthétiseur polyphonique doté de filtres et de générateurs d'enveloppe.
L'informatique prend le relais en 1957 : Max Mathews écrit MUSIC-I, le premier programme de synthèse sonore numérique, sur un ordinateur IBM. En 1964, Robert Moog commercialise ses premiers synthétiseurs, et le Minimoog Model D suit en 1970, sous une forme compacte à clavier qui rend l'instrument accessible aux musiciens de scène. Les premiers synthétiseurs polyphoniques apparaissent au milieu des années 1970.
L'année 1983 marque un tournant : le MIDI fait sa première démonstration publique, en reliant deux synthétiseurs de fabricants différents. Cette norme permet depuis de piloter un instrument depuis un autre ou depuis un ordinateur. La même année sort un synthétiseur FM numérique devenu très répandu dans la pop de la décennie.
Polyphonie, clavier et formats : ce qui compte à l'achat
Le premier critère est la polyphonie, c'est-à-dire le nombre de voix que l'instrument peut jouer en même temps. Un modèle monophonique ne joue qu'une note à la fois, idéal pour les lignes de basse et de solo. Un modèle polyphonique permet des accords. Plus la polyphonie est élevée, plus le jeu devient confortable, surtout avec des sons à longue résonance.
Le clavier forme le deuxième critère. Le nombre de touches va de 25 pour les modèles très compacts à 61 ou 88 pour les grands claviers. Une touche sensible à la vélocité répond à la force du jeu ; certaines proposent aussi l'aftertouch, la pression exercée après l'appui. Un pianiste privilégiera un toucher lesté, un amateur de sons électroniques un clavier léger, plus rapide.
Le troisième critère concerne le format. Un synthétiseur tout-en-un intègre clavier, sons et haut-parleur éventuel. Un module de sons sans clavier se pilote depuis un clavier MIDI. Un synthétiseur modulaire, enfin, s'assemble à partir de blocs reliés par des câbles, et s'adresse à ceux qui aiment le montage sonore. Chaque format garde une fonctionnalité propre, et la liste des sorties disponibles (audio, casque, MIDI, USB) varie d'un appareil à l'autre.
D'autres formats complètent la liste. La workstation réunit clavier, sons, séquenceur et enregistreur pour composer un morceau entier dans un seul appareil. Le clavier arrangeur, plus orienté accompagnement automatique, relève d'une autre logique. Les modèles portables à mini-touches se glissent dans un sac et se branchent à un casque ou à une enceinte, mais leur petit clavier limite le jeu à deux mains. Une pédale de sustain, branchée sur la prise dédiée, prolonge les notes comme sur un piano, et l'interface USB ou MIDI relie le tout à l'ordinateur.
Le marché de l'occasion permet d'élargir le choix, à condition de tester l'instrument : touches qui répondent, potentiomètres sans craquement, sorties audio propres et fonctionnement du système de mémoire. Une option utile consiste à vérifier la sensibilité du clavier à la vélocité sur plusieurs niveaux de jeu, du plus doux au plus fort. Cette sensibilité détermine la sonorité finale autant que le réglage du filtre.
Comment bien débuter au synthétiseur ?
Un synthétiseur monophonique ou un petit modèle polyphonique avec des boutons dédiés convient à l'apprentissage, car chaque bouton correspond à une fonction que l'on voit et que l'on entend. Il vaut mieux commencer par un modèle de synthèse soustractive pour apprendre le rôle de l'oscillateur, du filtre et de l'enveloppe.
Quelques exercices guident les premiers pas :
- partir d'un son de dent de scie, puis fermer et ouvrir le filtre en jouant une note tenue ;
- changer l'attaque et le relâchement de l'enveloppe pour passer d'un son percussif à une nappe ;
- brancher le LFO sur la hauteur pour entendre un vibrato, puis sur le filtre ;
- relier l'instrument à un ordinateur par le MIDI et enregistrer une séquence.
Les modèles virtuels, logiciels qui reproduisent des synthétiseurs sur ordinateur, offrent un moyen peu encombrant d'apprendre les principes : une carte son suffit pour les entendre. Pour une utilisation en studio, un synthétiseur matériel garde l'avantage du contact direct avec les boutons. Chaque jour de pratique compte plus que le niveau de l'appareil, et un exemple simple suffit pour progresser : refaire, note après note, un son entendu dans un morceau.
Un enfant peut découvrir le synthétiseur dès l'école primaire : les boutons à tourner, les sons qui changent en direct et le clavier simple en font un instrument de découverte. Un cours collectif ou une formation en ligne guide les premières étapes, et un professionnel de l'enseignement musical apporte une méthode pour la lecture des gammes. L'étape suivante consiste à enregistrer ses idées, avec un microphone pour la voix ou une carte son pour les sons de l'instrument, afin de comprendre les bases de la production.
Pour choisir un premier instrument, un conseil simple : écouter une série de sons de base (basse, nappe, lead) et retenir l'appareil dont les boutons donnent envie de tourner. Un enfant utilise volontiers un modèle à grands boutons, un adulte autodidacte préfère souvent un écran qui affiche les réglages. Chacun utilise le synthétiseur à sa façon, et l'important reste de garder un temps de jeu régulier.
Questions fréquentes sur le synthétiseur : clavier, polyphonie et MIDI
Quelle différence entre un synthétiseur et un piano numérique ?
Un piano numérique reproduit le son et le toucher d'un piano acoustique. Un synthétiseur génère et transforme des sons, avec des réglages de filtre, d'enveloppe et de modulation absents d'un piano.
Un synthétiseur sait-il jouer comme un autre instrument ?
Il imite de nombreux instruments en s'appuyant sur des échantillons ou sur la synthèse. Le résultat dépend du modèle et du soin apporté à la programmation.
À quoi sert le MIDI ?
Le MIDI transmet les informations de jeu : notes, force de frappe, molettes. Il relie des instruments entre eux ou à un logiciel, sans transporter le son lui-même.
Faut-il savoir lire la musique pour jouer du synthétiseur ?
Ce n'est pas obligatoire. Beaucoup de musiciens construisent leurs sons à l'oreille, mais la connaissance des gammes et des accords facilite la composition et le jeu avec d'autres musiciens.